Cultura

Un repaso por los aspectos relacionados a las diferentes culturas que componen la comunidad, para aproximarnos a dears de todo el mundo.

Los sonidos del tiempo.
(Segunda Parte. El rock and roll)

 

La respuesta está en el viento
 
¿Cuántos caminos debe recorrer un hombre
Antes de que sea llamado hombre?
¿Cuántos mares debe atravesar la paloma blanca
Antes de dormir en la arena?
Sí, ¿cuántas veces deben volar las balas de cañón
Antes de ser prohibidas para siempre?
La respuesta, mi amigo, está en el viento…

-Bob Dylan-
 
Rock es un término amplio que agrupa una variedad de estilos de música popular originados como rock and roll a principios de la década de 1950 en Estados Unidos y que evolucionó en un gran rango de diferentes estilos en los años 1960, particularmente en ese país y Reino Unido.

El rock and roll como tal, tiene sus orígenes entre 1920 y 1940, pudiendo observarse, sin embargo, elementos propios de este género en producciones de rhythm and blues que datan incluso de los años 1920. En los orígenes del rock and roll existía una combinación de elementos los blues, boogie woogie, jazz y rhythm.
Éste género musical se caracteriza por contar con una gran lista de músicos que se han destacado a lo largo de su historia.
Charles Edward Anderson Berry, el legendario Chuck Berry es considerado de manera indiscutible como uno de los pioneros y forjadores de la música rock and roll. Llamado el “padre fundador” del género.
A finales de siglo, en 1886, un cantante llamado Johnny Gardner, perteneciente al grupo Moore’s Troubadours, interpretaba una tonada llamada «Rock and Roll Me», y en 1889, Arthur Collins grabó lo que muchos expertos consideran la primera semilla del rock’n’roll, «All Coons Look Alike to Me».
La gran evolución de éste género ha marcado la historia de la música a tal punto que podemos sostener que forma parte hoy en día del gran acervo de la cultura universal.
La revista especializada Total Guitar, una de las más influyentes del panorama guitarrístico rockero, ha hecho una encuesta entre sus lectores para publicar una lista con los cien mejores guitarrista de la historia del rock, y el ganador ha sido Brian May, de Queen.
Y entre los músicos más destacados podemos nombrar:
en la lista de Guitar World
1. Eddie Van Halen
2. Brian May
3. Alex Lifeson
4. Jimi Hendrix
5. Joe Satriani
6. Jimmy Page
7. Tony Iommi
8. Steve Ray Vaughan
9. Dimebag Darrell Abbott
10. Steve Vai,

11. Ritchie Blackmore

12. Jimmy Page

13. Buckethead entre otros.


Así también se destaca a pesar de su prematura muerte (27 años) a Jimmy Hendrix quién es considerado el mejor guitarrista del rock, por la revista Rolling Stone .De Hendrix se destaca el dominio del instrumento y del escenario.

Si bien aquí hemos relacionado tanto el instrumento como el género musical, cuyos orígenes se refieren directamente al patrimonio cultural de EEUU, ambos han traspasado fronteras, en el aspecto fisico político adaptándose el ritmo a los distintos países donde ha desarrollado características propias, y en el caso de la guitarra eléctrica se ha integrado a los más diversos rítmos, siendo hoy un instrumento utilizado en una gran variedad de estilos y géneros musicales a nivel mundial.

Es así que podemos afirmar que éste instrumento contribuye con la idea de unidad y hermandad que desde los valores de la música deseamos resaltar.

Ramona Maidana

Madre naturaleza,la viajera incansable de estaciones.

A lo largo de su historia, la humanidad fue construyendo una mirada mística y ceremonial a los cambios naturales producidos en el paisaje. Las estaciones del año fueron un calendario único y magistral del acopio de la sabiduría de los primeros pueblos. El tiempo de siembra, de cosechas, épocas de caza y pesca, de acopio de alimentos antes de la llegada de fríos intensos…y por todas éstas maravillas festejó, agradeció a los dioses, celebró cada cambio e intercambio que la madre naturaleza le ofreció.
He aquí que entre los grandes cambios nos detendremos ante la mirada de esa insipiente humanidad, los equinoccios de otoño y primavera.
¿Qué son?¿De qué se tratan? ¿cómo algunos pueblos celebraban?
Equinoccio
Este fenómeno astronómico ha sido venerado por prácticamente todas las culturas de la humanidad y esto ha generado diversos tipos de festejos y creencias milenarias.
En los equinoccios el día tiene una duración aproximadamente igual a la de la noche en todo el planeta.
Entre los días 22 y 23 de septiembre, será de otoño o primavera de acuerdo al hemisferio terrestre dónde nos encontremos.
  

En el mundo se ha celebrado el equinoccio durante siglos.
Por ejemplo:
Los druidas de Inglaterra y los mayas de Centroamérica han rendido culto a este cambio de estaciones, anunciando su llegada como indicativo de la temporada de cosecha y construyendo monumentos como Kukulcán, donde una sombra en forma de serpiente repta en las paredes de las escaleras de piedra durante los dos días equinocciales.
Ésta parte del año es la que históricamente se ha relacionado con el tiempo de cosecha, de hacer acopio de alimentos y bienes para la llegada del invierno. De ahí que haya una serie de tradiciones, ritos y creencias que van ligados al equinoccio de otoño
El Mabon en la cultura celta la llegada del otoño se celebra con la festividad conocida como Haleg-Montah, que significa Mes Sagrado. Entre las creencias neopaganas.
También se conoce en la actualidad como “Tiempo de Cosecha”, “El banquete” o “Día de Acción de Gracias”. Es una fecha señalada en la que se da las gracias por los frutos que han surgido de la tierra y se recuerda la importancia de compartirlos para lograr bendiciones de los dioses para los meses invernales.
La serpiente emplumada de Chichén Itzá

El hecho de que el día y la noche tengan la misma duración tiene consecuencias bastante especiales. Una de ellas tiene lugar en la famosa pirámide maya de Kukulcán, en Chichén Itzá (México). Tanto en el equinoccio de otoño como en el de primavera, la luz y las sombras del lugar se proyectan de una forma en las escaleras del templo que crean un efecto óptico en el que parece que una enorme serpiente emplumada desciende por las escaleras.

En Japón muchas personas llevan flores a las tumbas de sus seres queridos
 Pexels
Los equinoccios en japón marcan un periodo llamado Ohigan u O-Higan, en el que muchas personas honran a sus antepasados. Según la creencia budista del país nipón, la otra vida está al oeste, y es precisamente durante los equinoccios cuando el sol se pone directamente en el oeste. Por ello, durante los días cercanos a los equinoccios, muchos japoneses visitan las tumbas de sus familiares y seres queridos.

Otra celebración es el Sucot conocida como la “Fiesta de las Cabañas” o de “los Tabernáculos”, tiene su origen en La Biblia y es una festividad judía. Esta celebración rememora las vicisitudes de Israel tras su travesía por el desierto y las precariedades materiales. Durante el Sucot se celebran varias fiestas, algunas de ellas relacionadas con la importancia de las cosechas.

El Festival Holi en la India

Este es uno de los rituales más especiales del mundo, ya que consiste en que los participantes arrojen polvos de colores y esta es una celebración que marca el final del invierno y la llegada de la luna llena, que generalmente coincide con el equinoccio de la primavera y lo hacen con todas los tonos posibles que puedan representar a esta época del año, ya que además tienen una relación directa con la mitología hindú y tiene como base el alejarse del mal y festejar la vida.

El festival de los cerezos japoneses

En Japón, el equinoccio de la primavera representa un momento muy importante para recordar a sus muertos y a esta celebración se le denomina como Shunbun No Hi, que consiste en ofrecer oraciones y ofrendas a los difuntos justo en el momento en que comienzan a florecer los cerezos, que es el símbolo más representativos para la cultura japonesa de que se acabó la temporada invernal y comienza el renacer de la naturaleza.
Otra manera de celebrar el equinoccio de primavera es con el festival “Hanami” que significa “ver flores” y consiste en hacer reuniones y picnics en espacios abiertos para admirar la belleza de las flores de cerezo, pero esto también tiene un significado especial, ya que la vida muy corta que tienen estas flores representan una metáfora de la belleza de la vida y lo efímera que puede ser.

La muerte de Marzanna en Polonia

La tradición pagana polaca representa el final del invierno y durante el 21 de marzo se realiza un desfile donde no puede faltar la esfinge de la diosa Marzanna, que ahora se representa con un muñeco de paja es una figura asociada a ritos relacionados a la muerte y renacimiento de la naturaleza

La fiesta del Nilo en Egipto

El  Sham el Nessim es uno de los rituales más antiguos de los que se tienen registros, con más de 4500 años y que es parte de la cultura egipcia desde tiempos milenarios. Consiste en que las personas van a la orilla del río Nilo a compartir comida, disfrutar del paisaje y del renacer de la naturaleza y que desde la época antigua representaba también el inicio del ciclo agrícola y la fertilidad de la tierra.

Pewv Xipantu

Tiempo de brotes, etapa o temporada en que se divide un año mapuche o xipantu, coincidente con el comienzo de la primavera.


En los países del Hemisferio Sur, el equinoccio de Primavera tiene lugar entre el 22 y el 23 de septiembre de cada año. En América, países como Argentina, Chile, Bolivia, Perú, Paraguay, Uruguay, y algunas zonas de Brasil y Ecuador celebran la llegada de la Primavera en septiembre.
En 2021, el Equinoccio de Primavera en el Hemisferio Sur es el 22 de septiembre.

Ramona Maidana

Los sonidos del tiempo.
(Primera Parte)

En éste recorrido a través de la música y de los instrumentos que representan a los diversos pueblos de nuestro planeta hay algunos que con el sólo hecho de nombrarlos, los asociamos de inmediato a un ritmo determinado, un ritmo que ciertamente nos atraviesa, nos une, nos distingue y a su vez hermana, pues es parte de la historia de la música y de la cultura de los pueblos que fueron transcurriendo en múltiples melodías y manifestaciones musicales.
El rock es uno de esos ritmos, y si pensamos en él inmediatamente lo asociamos a la guitarra eléctrica.

Un poco de historia

La guitarra eléctrica surgió de una necesidad de los músicos de jazz, tratando de amplificar su sonido. Desde entonces, se ha convertido en un instrumento musical de cuerdas, capaz de una multitud de sonidos y estilos gracias al desarrollo de sistemas externos como los pedales analógicos y digitales.

La guitarra eléctrica es un instrumento vibrante y en las manos del guitarrista adecuado, un viaje que nos puede transportar a lugares insospechados de nuestro espíritu Escuchar a los más grandes guitarristas de todos los tiempos es, indiscutiblemente, sinónimo de lo anterior, pero ¿quién inventó realmente un instrumento tan poderoso el cual revolucionó la historia de la música?
Rastrear la historia de este instrumento es una de las tareas más complejas que los historiadores de la música han realizado, ya que, si bien en un inicio se asoció su invención a Lloyd Loar, actualmente se sabe que su invención fue más bien la suma del trabajo de varios inventores que por la década de 1920 buscaban desesperadamente conseguir patentar sus creaciones.
De acuerdo con el sitio Popular Mechanics, la primera noción de una guitarra electrificada de la que se tenga registro data del año de 1890 y se trata de un instrumento creado por un oficial naval estadounidense de nombre George Breed, quien más bien utilizó la electricidad para hacer que el instrumento se tocara por sí mismo a partir de un sistema electromagnético que hacía vibrar las cuerdas. Desde luego, el problema era que no existía la posibilidad de incrementar el volumen. 
Otros sostienen que la guitarra eléctrica fue inventada entre las primeras dos décadas del siglo XX. Era un tipo de guitarra poco corriente y normalmente de fabricación casera cuyo diseño se asemejaba a una sartén y se solía tocar con la técnica slide.
La labor de Leo Fender en 1950 empezaría la revolución de ese instrumento llegando a comercializarse a nivel mundial. Sin saberlo, Leo Fender crearía una gran historia con su nueva invención. A partir de ese momento fueron muchos los instrumentos que sufrieron alteraciones en su diseño acústico tradicional e incorporaron algún tipo de sistema eléctrico. La guitarra fue uno de los primeros en adaptarse y a pesar de que varias marcas innovaron en esa dirección en poco tiempo, la manufactura de la primera guitarra eléctrica se le puede atribuir a la marca Rickenbacker.

Más tarde, hacia 1928 en una revista estadounidense apareció un dispositivo operado electrónicamente que producía un aumento en el volumen del tono y que podía aplicarse a cualquier instrumento de cuerda, se trata del primer amplificador comercial conocido.
Si decimos comercial es porque existían varias patentes de dispositivos parecidos, pero éste fue el primero en venderse. En el siguiente año, la misma compañía se jactó de tener una guitarra eléctrica. 
Entonces ocurrió lo inesperado, la compañía desapareció misteriosamente y ni siquiera los historiadores más avezados han conseguido encontrar evidencia fehaciente de que realmente se fabricó una guitarra eléctrica, capaz de “resaltar de manera distinta y uniforme cada tono, con un volumen capaz de saturar una gran sala”, como afirmaba el anuncio de la revista. 

En éste recorrido entre las experiencias compartidas por dears de todo el mundo los chicos de Dicodec ante la consulta que les hicimos acerca del instrumento que destacarían al referirse a su país, ellos manifestaron lo siguiente:

“Bueno, somos de Estados Unidos, así que el único instrumento que realmente me viene a la mente es la guitarra eléctrica. Es como si casi todos los instrumentos se hubieran inventado en otro lugar, jaja. Fue inventado en 1936 por un guitarrista de jazz para poder tocar solos de guitarra para su banda. Fue en las décadas de 1950 y 1960 cuando se hizo realmente popular”

Queremos agradecer la colaboración a los chicos del canal de Youtube “Dicodec” de U.S.A.

¡Gracias Eric y Alan!

“¿Sobre nosotros? Somos dos chicos que realmente aman la música y se han puesto en la misión de de descubrir y ayudar a que más personas descubran nueva música de cualquier parte del mundo.

¿Cómo empezamos a reaccionar a Dimash? fue bastante casual, por cierto… Uno de sus videos nos llegó a nuestro feed de recomendaciones en Youtube. Nos fijamos en él y nos enteramos de que Dimash era reconocido por tener una voz increíble, así que decidimos reaccionar a ello. Y sencillamente nos enganchamos desde la primera canción. El resto… es historia conocida”.

Les dejamos el enlace de su canal de YouTube Dicodec:

https://www.youtube.com/channel/UCcl6kGS8T1Sy9cAkQnffdMg

Cuenta de Instagram:

https://www.instagram.com/dicodec/

Ramona Maidana

🇻🇪Cuatro Venezolano🇻🇪

El cuatro venezolano también es conocido como cuatro tradicional, cuatro criollo, cuatro llanero o simplemente cuatro. Es un instrumento de cuerda pulsada, integra cuatro órdenes afinadas de la1, re2, fa#2 y si1. En 2013 el cuatro fue declarado Bien de Interés Cultural de la Nación por el Ministerio de Cultura de Venezuela.

Proviene de la familia de las guitarras y guitarrillas españolas, debe su nombre al número de cueras que tienen y a su tamaño reducido. A pesar de su semejanza, no debe confundirse con el cuatro puertorriqueño que posee cinco órdenes y diez cuerdas metálicas.

Es uno de los instrumentos musicales más emblemáticos de Venezuela, además es considerado un instrumento típico de este país. Sus cuerdas son de Nylon lo que lo hace producir un bello sonido melancólico pero distintivo.

Se le utiliza como un instrumento acompañante o bien como un instrumento solista. Esta última opción se ha vuelto popular en los últimos años gracias a su desarrollo en diferentes géneros.

En Venezuela, por ejemplo, se utiliza en casi todos los géneros musicales folklóricos: el calipso de El Callao, la gaita zuliana, los villancicos, el galerón, la jota, los aguinaldos y la parranda, la malagueña, el vals, la música cañonera, el paso doble, la tonada, el ritmo orquídeo, la polca, cuatro y marcas, entre otros.

Historia del Cuatro venezolano
específicamente de origen llanero, tiene cuatro cuerdas que pueden ser de nailon o tripa, cada una de ellas se denomina de izquierda a derecha.

Según los escritos apareció primero en grabado iraníes y cretenses en forma cuadrado y ovoidal. Hay estudiosos que creen que existía para el año 3.000 A.C. Esta teoría ha tomado fuerza ya que se han observado instrumentos similares en Egipto. En España apareció a inicios del Siglo XIV con cuatro órdenes.

Afinación del Cuatro
Se utiliza una afinación conocida como canónica (mirando al intérprete), este es:

la -1ra cuerda

re – 2da cuerda

fa# – 3ra cuerda

si – 4ta cuerda

El cuatro venezolano no tienen una afinación ascendente o descendente al pulsar las cuerdas de arriba hacia abajo o viceversa. Alguna de las afinaciones más conocidas del cuatro son: la1-re2-fa#2-si2 y sol1-do2-mi2-la2 (notas) en forma ascendente.

Las cuerdas que se utilizaban en sus inicios eran den tripas de animales, estas no lograban soportar la tensión de la cuerda más aguda si2 afinada en la segunda octava. Pronto se solucionó ese problema bajando ese si2 a si1 en la primera octava, y fue así como se consiguió la afinación más popular del cuatro actual. Es de recordar que en la actualidad las cuerdas son de nylon.

Coloquialmente se conoce la afinación del cuatro con el nombre de “cambur pintón” dado su compás musical. Cuando se da a la inversa se le denomina “hipócrita” por el mismo motivo.

Cuatro y su ejecución
Se utilizan dos técnicas principales. La primera de ellas es la técnica tradicional, aquí el cuatro venezolano se toca rasgueando y chasqueando percutivamente. Fue el gran Maestro venezolano Eduardo Azuaje (apodado el Rey del Cuatro) quien logro desarrollar esta técnica.

Después de él surgieron otros intérpretes como Hernán Gamboa quien empleo una técnica llamada “rasgapunteo”, aquí el ejecutante realiza las melodías y ritmos al mismo tiempo a través de movimientos independientes de la muñeca y los cinco dedos de la mano derecha, en tanto que en la mano izquierda hace uso amplio de las variaciones e inversiones armónicas.

Fue a partir de este desarrollo en la técnica que fueron surgiendo otros elementos como golpes pequeños, patrones rítmicos llamados “callando” las cuerdas, entre otros que le agregaron un sonido especial.

¿Cómo usar el cuatro venezolano?
Como solista
Por uso del cuatro solista se entiende que es la aplicación interpretativa de la ejecución de uno o varios instrumentos musicales constituyendo el sujeto principal de transmisión. El sujeto puede tener una función utilitaria girando en mayor o menor grado alrededor de un centro cultural.

Existe también el solismo que se desarrolló en Europa sobre la base del goce estético de la producción musical por sí misma. Algunos de los solistas de cuatro más famosos son: Jacinto Pérez, Hernán Gamboa, César del Avila, Jorge Glem Luis Adolfo Baradat.

El concierto N°1 para Cuatro y orquesta de Orlando Cardozo es una las pocas obras creadas para el instrumento en el rol de solista con el acompañamiento de una orquesta. Fue en 2012 cuando la Orquesta Simón Bolívar de Venezuela lo grabó.

Acompañante
A diferencia del solista, en este caso se convierte en un complemento de transición. Su función es fungir como nudo o centro cultural por una vía más indirecta o abstracta. Es por ello que cuando se le incorpora en un conjunto se pueden notar melodías y acompañamientos con dos densidades completas.

Cuatro venezolano y su variantes (tipos)

Cuatro y medio: es un cuatro con una cuerda complementaria sujetada por una clavija en la parte inferior del mango. Produce una entonación fija ya que no tienen pisada, por ello se le utiliza como resonador, en la actualidad está en desuso.
Cinco: instrumento musical parecido al cuatro, y recibe su nombre debido al número de afinaciones u órdenes. La técnica de ejecución es igual a la del cuatro. Se le ve en los cantos andinos de Venezuela.

Cinco y medio: este instrumento agrega al cinco una cuerda denominada triple, tal como sucede con el cuatro y medio.
Seis: es un tanto mayor que el cinco, tiene seis cuerdas, pero con cinco órdenes. En regiones como Lara y Falco radica su máxima utilidad. Por sus cualidades se le emparenta con la jarana mexicana.

Octavo: tiene ocho cuerdas dispuestas en cuatro órdenes dobles. Es prácticamente una guitarra renacentista en desuso.

Cuatro Monterol: es un tipo Cuatro de caja pequeña solo que este posee cinco cuerdas. El diseño fue plasmado por el Señor Maeto Goyo en los años 50, al morir la tradición de este tipo de cuatro pasó a manos de Luthier tocuyano. 

Muchas gracias a Naudi Garcia, estamos muy agradecidos por tu participación en nuestra  página!!

Puedes ver un de documental sobre el Cuatro Venezolano aquí 👇
https://www.youtube.com/watch?v=43jM4_eXjPE

“El Cajón Peruano: ¡Patrimonio Cultural del Mundo!

El cajón es el instrumento de percusión originario del Perú más emblemático y ha sido reconocido en todo el mundo por su insustituible acompañamiento a diversos géneros musicales como flamenco, jazz, rock, tango, samba, boss nova y música tradicional latina y caribeña. En 2001, el cajón fue reconocido oficialmente en Perú como patrimonio cultural del país, y en 2014, la Organización de los Estados Americanos (OEA) otorgó al cajón peruano el premio internacional “Instrumento Peruano para las Américas”. Desde el 2 de agosto de 2018, Perú celebra todos los años el Día del Cajón Peruano. Para la construcción del cajón, se prefiere la madera de caoba y cedro. Su tamaño promedio es de 47 cm X 33 cm X 29 cm con un grosor de 15 MM. Al tocar el instrumento, el maestro del cajón, el cajonero, se sienta sobre el instrumento musical, haciéndolo cómodo entre las rodillas. El cajón moderno tiene tres tornillos que sirven para ajustar el tono. Mientras toca este instrumento musical, el percusionista puede obtener diferentes sonidos usando las palmas o las yemas de los dedos. Para enriquecer el sonido del cajón, a veces se le añaden objetos metálicos en su interior. Por ejemplo, en España, se colocan tres o cuatro cuerdas de metal dentro del cajón para agregar sonidos resonantes al juego. Origen: La historia del cajón se remonta al siglo XIX, cuando llegaron al Perú esclavos de etnias africanas durante la colonización española. Los instrumentos de percusión siempre han sido una parte integral de la música africana tradicional, razón por la cual los esclavos africanos buscaban instrumentos que les permitieran expresarse. Debido a la prohibición de los españoles, los esclavos no podían tocar los tambores que traían consigo. Sin embargo, las ganas de expresarse a través de la música eran tan grandes que un día descubrieron cajas de madera que se utilizaban para transportar mercancías. Al ver en un objeto tan aparentemente discreto un excelente instrumento musical, los esclavos africanos comenzaron a usarlo en sus rituales sagrados y expresiones artísticas. El cajón se utiliza como acompañamiento de bailes como zamacueca y tondero, que se originaron en la costa central y norte del Perú. Fue gracias a estos bailes que el instrumento musical peruano comenzó a ganar popularidad. Los cajoneros obtienen un rico espectro de sonidos al tocar diferentes partes del cajón. Por ejemplo, los bordes de este instrumento musical dan su propio sonido especial, mientras que la parte central y su borde superior son completamente diferentes. Distribución en Europa El guitarrista, músico y compositor flamenco español Paco de Lucía descubrió el cajón peruano en 1977 cuando visitó Perú en su gira por Sudamérica. Durante una velada en la Embajada de España en Lima, se reunió con la cantautora y folclorista peruana Chabuca Granda, acompañada del distinguido músico cajonero Caitro Soto. Cuando Caitro tocó el cajón, Paco se sorprendió por su asombroso sonido y afirmó que era este asombroso sonido resonante lo que necesitaba el flamenco. Cuando el cajón peruano fue adoptado por la comunidad musical flamenca, los percusionistas comenzaron a dominar este instrumento uno a uno, encontrando en él el sonido muy necesario para el flamenco moderno. Hoy en día, el cajón también se toca con baquetas o pedales. Incluso podemos encontrar cajones electroacústicos, que tienen un sonido lo más cercano posible a un cajòn acústico. El 11 de abril de 2009, el actor y músico afroperuano Rafael Santa Cruz organizó el segundo Festival Internacional del Cajón Peruano, que estableció un nuevo Récord Guinness con el mayor número de cajoneros actuando juntos. Bajo la dirección del maestro Marco Oliveros, más de 1000 cajoneros interpretaron una pieza titulada “La Fiesta Del Cajòn”.

 

Escrito por el Fans Club oficial de Perú.

Muchisimas gracias por participar!!

Les dejamos el enlace de sus redes sociales:

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Instagram: : https://www.instagram.com/dimash.fcperu/?hl=es

 

 

Sonidos, dos culturas y una pasión
Paraguay


…”Treinta y seis cuerdas enhiestas
tiene el arpa paraguaya.
Es embajadora honesta,
que en azahares impregnada,
bañada con luz de estrellas,
al ritmo de la guarania,
dice a cuantos encuentra
lo linda que es nuestra Patria”.

-Mirta de Eisenkölbl-

El Arpa llegó a América con los europeos. Así el
arpa paraguaya se originó en la fusión de estas dos civilizaciones.
Este instrumento fue adoptado por los naturales, quienes lo perfeccionaron a su manera, construyéndola de madera americana, logrando una notable estilización y creando su propio repertorio. La estilización de este nuevo instrumento significa un aporte para el arte musical; puede decirse que es valor representativo el hecho, de que en el crisol de América, la unión de dos razas diera nacimiento al mestizo, que dejó de ser indio y español, para ser paraguayo. En esta eclosión americana, el instrumento fue remodelado para convertirse en arpa paraguaya, merced al ingenio y a los elementos nativos.
Con simples aditamentos en su construcción, impresionó vivamente al mestizo.
Éste, con su disposición innata para el arte musical, reconocida muy especialmente por los misioneros jesuítas y franciscanos, lo construyó con madera americana. La evolución de arpa clásica no afectó mayormente a la paraguaya, pues ésta tomó otros rumbos en su progresivo mejoramiento. Un ejemplo de ello es la no adaptación de los pedales y clavijeros mecánicos que facultaban a la clásica para modular en distintas tonalidades, de ello, el arpa paraguaya resulta con ciertas posibilidades disminuidas, al no poseer la escala cromática, originada por esos nuevos elementos, sin embargo se halla beneficiada en la sonoridad, claridad y consistencia.

Sus cultores, a pesar de su afinación diatónica, hacen maravillas al ejecutarlo. Realizan su aprendizaje de generación en generación a través de la versión oral, creando una técnica propia, ejecutando la melodía con la mano derecha, usando las uñas en lugar de las yemas de los dedos como los arpistas clásicos; el acompañamiento lo hacen con la izquierda y en lo referente al modo de interpretar su música, tiene una personalidad bien definida. A la fecha, un músico nativo, Diosnel Martínez Bordón, ha creado un método para el aprendizaje, por música, del arpa paraguaya.

El arpa que llegó de Europa ha tomado carta de ciudadanía en América,y así podemos apreciar su presencia en México, Venezuela, Perú, Chile y Argentina, pero en estas regiones se usa como instrumento de acompañamiento, en cambio en el Paraguay se lo utiliza como instrumento base de conjuntos y su difusión es intensa y en cuanto a su estructura, difieren fundamentalmente entre sí. En manos de los arpistas paraguayos, sirve tanto para acompañar, como para tocar como solistas.

Por otra parte, en este país se ha creado un vasto repertorio en y para el arpa y la ejecución de estas composiciones por sus cultores, constituyen un pequeño concierto, entre las que se destacan: “Cascada”, “Viejo Campanario”, “Kurusu ára” (3 de Mayo), “Guyra pu” (Pájaro Campana), “Carreta güy”, “Misiones Ñu”(Beni Loma), “Mamópa reho Josepa”, “Llegada”, “Tren Lechero”, “Isla Saká”, “Melodía para tí”, “Guaraní F.B.Club”, etc., etc., con lo que se demuestra el importante parnaso lírico que posee el instrumento transculturado.

Tuvo el arpa en el Paraguay, brillantes cultores como los Villasboa, padre e hijo; el famoso misionense José del Rosario Diarte, Conché Ramírez y Tani Bordón, ambos de Ybycuí; Pedro Rojas (Perú´í) de Acahay y otros. En la actualidad han proliferado sus cultores y varios de ellos recorren el mundo en un lírico peregrinaje. A Buenos Aires llegó y cautivó con su arpa paraguaya, el desaparecido arpista Félix Pérez Cardozo, quien fue un verdadero pionero de este instrumento. Este artista extraordinario sembró toda una escuela en la ejecución del arpa y además le agregó cuatro bordonas, elevándolo, de los treinta y dos cuerdas tradicionales, a treinta y seis. Creó varias composiciones que pasaron a pertenecer al repertorio permanente de los tañedores paraguayos y de otras latitudes, como las polcas “Llegada”, “Tren Lechero”, “Angela Rosa”, “El sueño de Angelita”, “Mi despedida”, “María Elsa” y otras.

Hasta hace poco, el luthier del arpa era el propio ejecutante, pero con el correr del tiempo y al multiplicarse sus cultores, empezaron a surgir verdaderos artífices. Epifanio López es un verdadero maestro de la estilización, le sigue Timoteo Rojas, Amadeo Monges y Lino Ruíz Díaz, estos dos últimos radicados en Buenos Aires, todos ellos paraguayos, dedicados en la difusión de este instrumento más allá de nuestra frontera.
El 9 de junio se conmemora el Día Nacional del Arpa paraguayo en homenaje a don Félix Pérez Cardozo.

Ramona Maidana

México lindo y querido

“Mi orgullo es ser charro, valiente y braga’o”

México lindo y querido, si muero lejos de tí que digan que estoy dormido y que me traigan aquí…
México lindo y querido ,si muero lejos de tí, que me entierren en la sierra
al pie de los magueyales y que me cubra ésta tierra que es cuna de hombres cabales.
-Jorge Negrete-

El mariachi, tradición musical Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad

Éste género musical mexicano ha traspasado fronteras y continúa desarrollándose con la combinación de elementos de diversos géneros
musicales e instrumentales.
 Se considera la máxima expresión de la época más reciente del folklore mexicano y se ha convertido en una institución simbólica no solo de la música, sino también de la cultura del país azteca.
Se denomina Mariachi tanto al género musical como al intérprete.
Es originario de una región del occidente de México que incluye lo que hoy son los estados de Jalisco, Nayarit, Zacatecas, Aguascalientes, Guanajuato, Michoacán y Colima. Se extiende al norte hasta Sinaloa y Durango y al sur hasta Guerrero. Por lo tanto, los intentos de atribuirlo a un estado o población específicos resultan en vano, ya que el lugar exacto de nacimiento del mariachi continúa siendo desconocido.
De lo que no cabe duda alguna es que con la llegada de los primeros esclavos, la música africana también llegó a México durante el período colonial. Por lo tanto,también llegaron muchas tradiciones regionales de música folklórica mestiza, incluida la del mariachi que resultaron de la combinación cultural y musical de elementos indígenas y extranjeros.

El mariachi tradicional está integrado generalmente por dos violines, una guitarra quinta de golpe,o una vihuela y un arpa o un guitarrón,en algunos conjuntos se incluye tambora,teponaxtles y caracoles.
Puesto que el mariachi nace de la fusión de la cultura local representada por los Cocas asentados en Cocula y los instrumentos traídos por los españoles.
El mariachi moderno, está compuesto básicamente por dos trompetas ,2 a 6 violines,guitarra española,y en común con el mariachi tradicional usan vihuela y guitarrón.

La Vihuela

Ésta fue creada a finales del siglo XVII por los Cocas -el grupo étnico predominante en Cocula-al igual que el guitarrón para sustituir al laúd y al contrabajo.
Éste pequeño instrumento provee ritmos excitantes y una línea armónica de acordes con rasgueados resonantes.
Es la base rítmica del mariachi.

El guitarrón mexicano

Es un instrumento musical de cuerdas inventado en México para tocar la sección de las notas más bajas en el mariachi, recuerda por su forma y cordaje a la guitarra pero más grande, ancho y con el mango proporcionalmente corto.
y al igual que la vihuela su parte trasera tiene la forma pecho de gallo.Usa seis cuerdas, las cuales son de distintas afinación que las de la guitarra y se toca usando dos de ellas a la vez para dar más fuerza y volumen al sonido.

Entre los cantantes más destacados como Mariachis podemos nombrar: Vicente Fernández, Pedro Infante,Cuco Sanchez, Juan Gabriel, Ana Gabriel,Alejandro Fernandez,Javier Solis, Pedro Fernandez,Jorge Negrete, Lucha Villa, Mariachi Vargas, entre otros.
El 27 de noviembre del 2011 el género musical Mariachi fue declarado por la
UNESCO como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.
Y el 21 de enero se celebra el “Día Internacional del Mariachi” en reconocimiento a éste género musical mexicano para toda la humanidad.

Ramona Maidana

 

                                                 

Maravillas de Portugal: Su Guitarra, el Fado Y Amalia Rodrigues 

Una de las tradiciones importantes de Portugal, considerada el alma de nuestro país, es el fado. Tiene su origen en las fiestas en las que se contaban historias de la guerra contra los moros y que, a partir del siglo XVI, empezaron a contar historias de amor y desamor entre reyes y reinas y que más tarde, en el siglo XVII, se convirtieron en narrativas. Historias cotidianas de gente sencilla.

Y para contar las historias actuales del fado, tenemos un instrumento único

La guitarra portuguesa, muy extendida en Portugal, es la más cercana al sentimiento lusitano de los portugueses.

Tiene un timbre inconfundible que, esté donde esté, cualquier portugués lo reconoce en los primeros acordes. Es un instrumento musical lleno de simbolismo y, gracias a su larga alianza con el fado, tiene connotaciones con el “modo de ser” portugués. Destiny, fado y saudade son palabras que se asocian naturalmente con el trino de la guitarra portuguesa. Para interpretar el Fado, ningún instrumento tiene el sonido de nuestra guitarra, que se ha utilizado para cantar la tristeza desde la más remota antigüedad. Es casi como un niño que llora o una mujer que suspira.

Impresiona y no aturde. Se hace oír, pero no se impone. De origen muy remoto, en su momento se la llamó guitarra morisca, ya que tiene cierto parecido con el laúd, que los árabes introdujeron en la Península Ibérica, aunque las características de los dos instrumentos son muy diferentes. En la Edad Media, se refiere a un instrumento llamado citula. Esta evolucionó con el tiempo, pasando por la cítara, culminando en la conocida guitarra portuguesa. Como instrumento habitual en los salones de la alta burguesía, sobrevivió y pasó a manos del pueblo, para convertirse, en la actualidad, en un objeto popular. Pero durante mucho tiempo fue conocida por la guitarra inglesa, ya que la hizo un famoso guitarrista inglés llamado Simpson, quien se ocupaba de algunos instrumentos de este género, algunos siendo exportados a Portugal. Para la construcción y fabricación de cualquier modelo de guitarra portuguesa se utilizan maderas importadas de la Edad Media, ya que los fondos y aros de la guitarra deben ser de kingwood, arce o caoba. La tapa está hecha de abeto o pino de Flandes. Pero, según Pedro Caldeira Cabral, una de las máximas autoridades en la actualidad en guitarra portuguesa y música antigua, “la gran diferencia entre una buena guitarra y una mala, hecha exactamente con la misma madera, está en la mano del constructor”. Una de las más grandes cantantes de fado portuguesas fue la querida y fallecida Amália Rodrigues, quien llevó el fado y la guitarra portuguesa a través de las fronteras. Hoy en día tenemos nuevos fadistas extraordinarios que continúan el legado de Amália Rodrigues y siempre acompañados de nuestra increíble guitarra portuguesa.

Texto: Maria José Silva (Marizé dear)

¡Muchísimas gracias a la Dear Maria Jose Silva por colaborar con nuestra sección de Cultura  y contarnos un poquito sobre su bello país! 

 
Brasil, alegría y color

Canten, mi gente.
No importa la tristeza.
Canta fuerte.
Canta en voz alta.
Esa vida mejorará.
Esa vida mejorará.

Canta la samba del rodo
La canción de samba y la samba rasgada.
Canta la samba del breque.
La samba moderna y la samba cuadrada.

☆☆☆☆☆
Canta,canta, minha gente.
Deixa a tristeza pra lá
Canta forte,canta alto.
Que a vida vai melhorar.
Que a vida vai melhorar.
-Martinho da Vila-


Brasil es un país sudamericano que le ha dado al mundo regalos maravillosos: buena música y coloridas y vistosas festividades de alegría y júbilo como el carnaval.
Brasil es la cuna de géneros como el Bossa Nova ,la Samba y el choro ,estilos que presentan cualidades únicas y de gran riqueza rítmica ;
en gran parte esa riqueza se debe a la diversidad cultural de Brasil y a los aportes de la comunidad de indígenas nativos americanos y la comunidad afro- brasileña que constituye su música tradicional folklórica.
La música de Brasil refleja la diversidad cultural de su nación a través de sus géneros musicales populares originarios. Los más conocidos son el Choro ,la Samba, la Bossa Nova y la música popular brasileña.
Como chores destacan Pixinguinha, Jacob do Bandolim, Waldir Azevedo y Altamiro Camilho.Ejemplos de sambistas son Carlota y Noel Rosa, de la Bossa Nova podemos destacar los potos Tom jobim, Viniccius de Moraes y Jolio Gilberto. Pero
Brasil ha tenido también un destacado papel en la tradición clásica, se considera que el primer gran compositor brasileño fue José Mauricio Nunes Garcia.

La música constituye una parte esencial en las festividades y en las ceremonias brasileñas relacionadas con la religión, la naturaleza y la alegría de vivir.
En ella se destacan además de la danza, los instrumentos que aportan un sin fin de sonidos y melodías muy propias y característica de Brasil.

Entre los instrumentos podemos nombrar :

✴ el Berimbau que es un instrumento de origen africano y forma parte crucial de la música interpretada para el capoeira ,pertenece a la categoría de instrumentos de percusión.
✴ El Atabaque
es otro de los instrumentos musicales de Brasil se trata de un tambor de origen afro- brasileño.
✴ El Cavaquinho es un instrumento de Cuerda pulsada similar a la guitarra pero mucho más pequeña así como un ukelele se utiliza para interpretar la música de la Samba y El choro.
✴ El Pandeiro
es un tamborcito pequeño como una pandereta que se sostiene con una mano para golpearla con la otra.
✴ La Alfaia
es otro de los instrumentos musicales de Brasil más destacados es un tipo de tambor de madera específicamente de Maracaibo ,con el mismo sistema que el atabaque ,tiene un sonido pesado y profundo ,utilizado en los rítmos folklóricos de las danzas de Ciranda Marcatu y Coco de roda.
✴ La Ganzá
es otro instrumento de percusión de origen africano.
Está lleno de canicas metálicas y pequeñas piedras que lo hacen un instrumento tipo sonaja ,se utiliza principalmente para tocar Samba.
✴ El Repinique es un tambor de dos caras afinado de manera ayuda para que pueda destacar del resto.
✴ El Shekere
es un instrumento originado en el oeste de África que consiste en muchas cuentas entrelazadas entre sí y que constituyen la red que cubre una calabaza,se utiliza manera de sonaja, se sacude o se golpea con las manos.
✴ La Cuica
es un instrumento musical de percusión de Brasil utilizado originalmente en África para la caza del león debido a que el sonido producido es muy similar a un rugido femenino de León. fue traído al Brasil por africanos esclavizados ;hoy en día es muy utilizado en la época de carnaval por las escuelas de Samba.
La cuica de metal es la más común pero puede ser de madera o menos habitual de fibra de vidrio.

Ciertamente encontraremos muchos más instrumentos en ésta vasta y maravillosa cultura, cuya mirada al mundo es siempre de alegria y felicidad, más allá de los sufrimientos y pesares, festejar la vida nos llena de esperanzas y de renovada fortaleza.
Saludos a nuestros hermanos de Brasil.
Que vivamos hermanados siguiendo un camino de amor, de unión y de paz.
Sea Dimash nuestro embajador , nuestra voz que haga vibrar al mundo y al fin seamos uno.

Les dejamos el link directo del video en YouTube: https://www.youtube.com/watch?v=mmlK94QvwiA 

Sonidos de la América Austral

El ser humano se expresa a través de sus palabras, sus gestos, su música; y es ésta la que se convierte en el arte que no sólo comunica, atesora y trasmite la cultura de un pueblo sino el sentir de cada uno, haciéndo uso de su voz y de diversos instrumentos que pasan a ser parte del folklore, del patrimonio cultural del mismo.
Como nación tenemos características propias y otras compartidas o aquellas que se fueron modificando según el tiempo y el espacio compartido.
Es así como la llegada de los españoles a América, especialmente América del sur trajo una marcada influencia cultural, la que se tradujo en fuentes nuevas.
Es así como de la danza y la música nacieron formas nuevas y características propias de cada lugar.
Elegimos hoy, describir un instrumento característico de la Argentina criolla que tiene su origen en el encuentro de culturas de antaño.

Charango canta

de Flanco (Flaminio Arriagada Jiménez)

Charango, charanguito
vibra mi corazón
cuando toco tus cuerdas y canto una canción.
Charango, charanguito
dime tu dolor
canta La cordillera con su ritmo y tu son.
Charango, charanguito
tu canto es natural
tus cuerdas dicen verdades
de mi América austral.
Charango,charanguito
Canta la soledad
de mi América morena
para que viva en paz.

El charango nace de la modificación de un instrumento de cuerda de origen europeo en la región de los Andes durante la época virreinal generalmente se menciona la Mandolina como el instrumento en que se basó la confección del charango pero también se señala la Vihuela como base para su construcción.

Éste instrumento de cuerda pulsada
se originó posiblemente en Bolivia a manos de los indígenas que hicieron una versión de la vihuela de mano que trajeron los españoles a América ,poniendo como caja de resonancia al caparazón de un armadillo conocido como quirquincho.

El charango es una pequeña guitarra de 5 cuerdas dobles que no supera los 50 cm desde el comienzo de la caja de resonancia hasta el fin de la pala.
La caja de resonancia está formada por tapa (tapa armónica) fondo y aro o faja.
La construcción del fondo de la caja se hace con la caparazón de quirquincho, en algunos lugares como en Bolivia se sustituye la caparazón del animal por madera.
Cuenta con 5 cuerdas dobles realizadas de fibras (nervios de animal) ;hoy sustituídas por cuerdas de nylon.

Para la destacada etnomusicóloga argentina Isabel Aretz el charango es el descendiente sudamericano de la antigua guitarrilla europea,usado en la Argentina por mestizos,indios y criollos de Salta y Jujuy.
En el charango se ejecuta o se acompaña toda la música característica del norte argentino, sobre todo: “bailecitos”,”carnavalitos” y “huaynos” además de “cachuas” y “cuecas”; extendiéndose sus melodías al cancionero criollo de Ecuador,Bolivia,Perú y el norte de la Argentina.

El charanguista más reconocido en Argentina es el destacado músico folklórico Jaime Torres oriundo de la provincia de Tucumán fallecido en 2018 a sus 80 años, dejándonos una maravillosa y vasta obra. Ente ellas podemos nombrar:
El nacimiento del charango, El Humahuaqueño, Chimba chica, Naranjitay, etc ;y su eximia participación en la gran obra de Ariel Ramirez ” la Misa Criolla”

El 6 de Abril se celebra el Día internacional del Charango y el 21 de Septiembre se celebra el Día Nacional del charanguista en homenaje al maestro argentino don Jaime Torres.

Cada pueblo, cada nación tiene en su cultura y en su tradición aquellos elementos que le son propios por herencia. Para lograr que la humanidad se una mediante lazos de amor y de paz el primer paso es conocernos y valorarnos como individuos y luego como integrantes de una gran familia.
Dears éste es uno de los mensajes que Dimash nos entrega en cada canción y al expresarnos sus ideas, pensamientos y sueños.
Seamos partícipes de éste “conocernos” entre todos
Cuéntanos de tí y de tu música, de tus melodías y costumbres… te esperamos.

Enlace a Youtube del video original: https://www.youtube.com/watch?v=kjyMvku2Yvk

Ramona Maidana

Melodías del alma

Hay imágenes y sonidos que guardamos en la memoria, esos que nos regalan instante de magia y de completa admiración y belleza.
Ciertamente uno de los instantes que Dimash nos regala en cada concierto es esa bella interpretación musical a través del Dombra ejecutado con tanto orgullo y amor que ha despertado en todos nosotros el deseo no sólo de conocer de qué hablan esos sonidos sino también reconocer casi inmediatamente cuando sus cuerdas suenan en las melodías del amplio repertorio de nuestro joven músico kazajo.

*Sonido que traspasa el tiempo y el espacio,
Memoria de tiempos idos y de voces de antaño…
Laúd que cantas la memoria del pueblo Kazajo, eres el corazón y el alma de una cultura de honor y resistencia, de valentía y de gallardía.
Canta laúd canta.
Dombra de tiempos idos y de un futuro agradecido…
Dombra, corazón kazajo,canta un tiempo de guerreros que han sufrido, canta la gloria de tu suelo, un presente de buenos hijos. Canta Dombra canta al pueblo que te ha tañido.
Canta por el futuro, corazón kazajo, canta…
Dombra, alma que traes memorias del pasado, enseñanzas del futuro.
Dombra, corazón kazajo, alma de un pueblo unido*

El Dombra es una especie de laúd típico de Asia Central( Kazajistán,Uzbekistán,Tayikistán y Kirguistán) ;también llamado Dambura o Danbura, y Dumbira.
Es el instrumento nacional de los kazajos.
Tiene forma de pera con un mástil alargado con catorce trastes en su diapasón y el clavijero. Tiene dos cuerdas tradicionalmente hechas de nervio de animal y actualmente de nylon;Se toca sin plectro-púa- pulsando las cuerdas muy rápidamente con el dedo índice o el dedo índice y pulgar.
El dombra se ha utilizado tradicionalmente para acompañar poemas épicos y canciones populares.
Uno de los más grandes artistas de Dombra es el músico y compositor popular kazajo Kurmangazy, que tuvo una gran influencia en el desarrollo musical de la cultura kazaja, se destaca su composición musical “Adai” la cual es muy popular en kazajistán y en el extranjero.
Otra destacada representante de éste arte es la dombrista Dina Nurpeisova de la ciudad de Naryn-Kum entre sus obras se destacan: Bulbul, Toy bastar, etc.

Teniendo influencia nómada ,además de encontrarse estrechamente entrelazados al folklore uzbeko y kirguís ,en sus canciones contiene creencias mitológicas y religiosas del lugar. Más adelante también se sumaría el contenido social y político.
Tradicionalmente lo ejecutan en días festivos, asuetos o en reuniones sociales y su objetivo principal es el conectar a la gente con sus raíces y tradiciones ,también contribuyen a la transmisión de sus conocimientos vinculados a la cultura kazaja.
Otra de las características que podemos encontrar en su tradición es en la composición llamada “Dombra küy”, ésta consiste en la participación de una persona (de ahí la palabra küy) acompañada del Dombra donde narra en su actuación: leyendas y relatos del lugar .

En la actualidad se ejecuta fusionándose con técnicas musicales más modernas.

La interpretación en solitario küy de la Kasakh Dombra fue designada como patrimonio cultural inmaterial de la humanidad por la UNESCO el 26 de noviembre de 2014.
En el año 2018 fue designado como Día Nacional del Dombra al primer domingo del mes de Julio.

*Melodía del alma del pueblo kazajo.
Dombra que llega a nosotros envuelta en melodías , fragancias musicales de un pueblo con historia de lucha, de abnegación y de amor.
Que siga vibrando en tus cuerdas la dulce voz de la historia que reclama un futuro mejor*

Ramona Maidana

Sembradores del futuro

La humanidad ha experimentado un sin fin de situaciones en armonía o desarmonía con la naturaleza pero siempre ésta nos ha dado muestra de que a pesar de todo, es nuestro hogar y si la cuidamos será nuestra aliada dándonos cobijo y sustento como lo ha sido desde siempre.

En cada cultura se ha destacado la necesidad de cuidar y celebrar un tiempo fundamental en el círculo vital de cada lugar, es así que reconocemos muchas acciones referidas a la época de primavera donde la naturaleza renueva esa fuerza vital tan necesaria para la vida de todos.
Reconociendo no sólo aquella que será nuestro sustento cotidiano sino la que asegura nuestro futuro y nuestro legado; es así como en la tradición de plantar árboles se plasma esa necesidad de asegurar un futuro para nuestro planeta como hogar de nuestros hijos.

Aquí vemos un ejemplo que nos han relatado sobre
una festividad del pueblo kazajo. Una experiencia propia del amor y el cuidado por la naturaleza pues sembrar un árbol es sembrar futuro y bienestar.

“La plantación de árboles ha sido durante mucho tiempo una de las tradiciones de los kazajos y se asoció con Nauryz: el inicio de la primavera, la renovación, el Año Nuevo.
La celebración solía consistir en muchos rituales y costumbres:
Al amanecer, bajo el liderazgo de los ancianos, la gente salia a plantar árboles, después de lo cual la gente se reunía para unas vacaciones, se felicitaba por la llegada de Nauryz, se deseaban paz, prosperidad, riqueza y felicidad.
Teníamos diferentes árboles y arbustos creciendo en nuestro jardín: árboles frutales (manzanos, cerezas, ciruelas, peras, diferentes variedades de grosellas…)”

Así como el pueblo kazajo numerosas culturas realizan ésta tradición desde hace mucho tiempo.
Si la reconoces en tu pueblo cuéntanos sobre ella,es una manera de compartir todo aquello que nos una más como individuos y como comunidad, partiendo desde el claro y hermoso ejemplo que nos da Dimash desde que era un niño.
Mándanos tu experiencia y si tienes fotos plantando un árbol.
Seamos como “El hombre que plantaba árboles”

Ramona Maidana

Dimash Qudaibergen.
Un mensaje lleno de esperanza.

Probablemente una de las características más sobresaliente de la carrera de Dimash es que su música no se limita a un grupo específico en cuanto a la edad o la nacionalidad de sus seguidores. Es tan amplio el abanico de fans que disfruta de su arte que podemos afirmar que supera: un género musical, un idioma, una cultura.
Éste joven músico logra llegar a través de su arte a distintos grupos sociales y culturales y su mensaje es especialmente conmovedor y esperanzador.
En éste momento de la historia, la humanidad está transitando por situaciones de desigualdad, pobreza, falta de empatía y sobre todo catástrofes muchas veces provocadas por nosotros mismos, intolerancia y desamor.
Naciones que ante el sufrimiento de pueblos enteros -niños,jóvenes y ancianos- sin un futuro alentador y la naturaleza diezmada y atacada en sus recursos básicos, no dan muestra de solidaridad ni de un proyecto que tienda a solucionar todo ésto que nos lleva cada día más, hacia la segregación y la discriminación.

Es aquí en éste contexto y en éste momento de la historia que surge la voz, la música y el mensaje que la humanidad necesita, no se trata de un mesías ni de un lider social o político sino de un artista que desde su educación y su cultura nos muestra con sus canciones y con su ejemplo, que la paz y la unidad de todos los habitantes del planeta es posible: por medio del amor, del respeto, del diálogo,de la comprensión y de la cooperación; dando ejemplo a través de su accionar cotidiano tanto sobre un escenario como fuera de él. Siendo un gran artista pero sobre todo una persona maravillosa con valores y con ideales que trasmite a través de sus canciones.
Hace renacer en las personas -quienes son tocadas por su música- el deseo de construir esa paz y esa unidad de la que nos habla .
Su música nos muestra que todos somos valiosos y que cada uno puede aportar desde su ámbito un granito de arena para lograr lo que tanto anhelamos para nuestras futuras generaciones.
Podríamos pensar que los seres humanos somos tan diferentes culturalmente hablando que seria practicamente imposible llegar a esa ansiada unidad que nos permita vivir en amor y en paz.

Tan grandioso es su mensaje que nos hace desear encontrar el camino indicado.

“Debe haber igualdad en la tierra, debe haber Paz .
Todos somos responsables del bienestar de las personas que nos rodean.
Sí cuando hablamos lo hacemos con una sonrisa, si nos comunicamos amigablemente y nos deseamos lo mejor, nunca puede haber guerra.
Todos somos iguales a los ojos del creador”.
-Dimash Qudaibergen-

Es en éstas palabras que podemos comenzar a entender cómo podemos lograrlo.

Ante todo su gran sueño es que conozcamos de dónde viene y cuáles son sus raíces, Dimash ama tanto su tierra y lo demuestra en cada presentación, allí está la clave de un cambio importante que debemos hacer por nosotros mismos, por supuesto que él nos alienta a conocer su patria y su cultura, pero también nos da el ejemplo de que cada uno conozca y ame sus propias raices, que se establezca una red de diálogo y conocimiento cultural entre cada uno de nosotros que nos lleve al respeto por las distintas culturas y la valoración de las diferencias y similitudes que hay entre ellas, teniendo en claro que es así como con respeto se llega al diálogo y a los acuerdos entre personas primero y luego entre naciones que harán posible un mundo sin guerras y un planeta saludable para nuestro futuro.

Dears los invitamos a recorrer juntos
el abordaje de las celebraciones y festividades culturales universales y las expresiones distintivas propias de cada nación,
iniciando nuestro viaje a través de las diferentes culturas sin abordar al contenido como tal sino a través de la experiencia que cada “dear” pueda aportar y compartir; estableciendo un acercamiento y un diálogo que nos lleve poco a poco a conocernos y respetarnos cada día más.

 

Cultura es…

(por Ramona Maidana)

La cultura de un pueblo se basa especialmente en la  valoración de sus raíces y de sus antepasados,  reconociendo aciertos y errores, y sobre todo aprendiendo de sus mayores  padres y maestros a amar la tierra, sus frutos, su paisaje, todo aquello que nos une pero también que  nos identifica.

Dimash no es sólo un artista brillante, sino es un ser humano increíble, que a través de su música nos enseña su cultura y sus raíces, nos muestra que es un ejemplo de amor a la familia, amor a la gente que lo rodea, y a  todos los seres humanos.

Ese ejemplo trasciende y llega a nosotros, dándonos ese sentimiento de amor por nuestra tierra y por la patria a la cual pertenecemos.

Él nos une, y nos da el valor para asumir  nuestra  propia identidad.

Somos uno y somos todos. Con similitudes y diferencias, siendo el respeto la base del diálogo y la paz entre los pueblos. 

La diversidad cultural y su gran riqueza es el legado para las futuras generaciones.

Dimash nos enseña que:

Cultura es

ENCONTRARSE A TRAVÉS DE LA PALABRA,LA MÚSICA,LAS IMÁGENES,LAS COSTUMBRES Y CREENCIAS.

ENCONTRARSE CON NUESTRO PASADO,  CON NUESTRO PRESENTE,  CON NUESTRO FUTURO…

Su voz trasmite el encanto de sentirnos partícipes de un mundo de Amor y de Paz.

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